Las incontables imágenes producidas a partir de 1840, de los microaspectos captados de diferentes contextos sociogeográficos, han preservado la memoria visual de innumerables fragmentos del mundo, de sus escenarios y sus personajes, de sus eventos continuos, de sus constantes transformaciones.Boris Kossoy
Fotografía e Historia: Cánones, Innovaciones y su Impacto Colectivo
Una Perspectiva Crítica desde la Historia y la Teoría
Introducción
Desde la patente del daguerrotipo en 1839, la fotografía emergió no solo como técnica de reproducción, sino como herramienta simbólica y social. Este estudio se estructura en nueve capítulos que profundizan en la evolución formal, técnica y teórica de la fotografía: desde su función como retrato de estatus en la burguesía decimonónica hasta sus vicisitudes en la era digital y la post‑fotografía. Cada capítulo combina contexto histórico, análisis de casos emblemáticos y referencias teóricas, con el fin de ofrecer una visión crítica de cómo la imagen fotográfica ha producido realidades y disputas culturales.
Capítulo 1: Del Daguerrotipo al Retrato Burgués (1839–1860)
La técnica del daguerrotipo, desarrollada por Louis‑Jacques Mandé Daguerre, permitió fijar una imagen en placas de cobre plateado. Al no existir negativo, cada pieza era única y costosa. A partir de 1840, su adopción por la burguesía europea y norteamericana obedeció al deseo de ostentación ilustrada: un retrato en estudio con columnas jónicas, cortinajes y mobiliario minimalista reforzaba la pertenencia a cierto linaje cultural.
Desafíos técnicos: Exposiciones de hasta 15 minutos obligaban a soportes ocultos y poses rígidas. La ausencia de sonrisa no solo respondía al tiempo de captura, sino al ideal de seriedad propio del ritual fotográfico.
Casos representativos:
Daguerrotipo de Madame de Fontenay (1842): muestra un fondo liso y peana de madera.
Retrato póstumo de un niño en Boston (1855): uso de armazón interno para inmovilizar al sujeto.
Capítulo 2: La Sofisticación del Estudio Fotográfico (1860–1880)
Con la popularización de la carte de visite (1859–1865) y las láminas de gabinete (desde 1870), la producción masiva se hizo posible. Empleando negativos de colodión húmedo, los estudios podían obtener múltiples copias.
Escenografía y género:
Hombres: Traje oscuro, corbata, libro o sombrero. Postura firme y mirada frontal: emblema de autoridad intelectual.
Mujeres: Vestidos con volantes, coronados frecuentemente por flores. El perfil o la mirada lateral evocaban modestia; manos apoyadas al mentón sugerían reflexión.
Decorados pintados: Desde jardines idílicos hasta ruinas clásicas, estos fondos consolidados por fotógrafos como Mathew Brady jugaron un papel performativo: el retratado no figuraba solo a sí mismo, sino un ideal social.
Capítulo 3: Rupturas Expresivas y la Fotografía Artística
Julia Margaret Cameron (1815–1879)
A diferencia de sus contemporáneos, Cameron rechazó la nitidez perfecta. Sus cámaras de gran formato y técnicas improvisadas crearon imágenes suaves, casi pictóricas.
Características formales:
Desenfoque deliberado: Más que un fallo, un recurso dramático para centrar la atención emocional.
Marcas de autor: Huellas dactilares y gotas de solución química como firma estética.
Tableaux vivants: Puestas en escena literarias (Shakespeare, Tennyson) que trascendían la mera reproducción documental.
Impacto histórico: Cameron inspiró a pictorialistas y artistas del siglo XX, sentando precedentes para lo que luego se reconocería como fotografía artística independiente del realismo mecánico.
Capítulo 4: Fotografía Científica y Control Social
Frenología y Antropometría
Fotógrafos como Alphonse Bertillon documentaron presuntos rasgos criminales: retratos de frente y perfil alineados con medidas corporales. Este uso reduccionista mostró el lado oscuro de la objetividad fotográfica.
Documentación Industrial
El progreso fabril se celebró con imágenes de obreros junto a prensas y máquinas. Pero Lewis Hine, contratado por la National Child Labor Committee, invirtió la narrativa: sus fotografías de niños exhaustos expusieron la explotación laboral y motivaron reformas legislativas en EE. UU.
Capítulo 5: Fotografía Social: Denuncia y Empatía
Jacob Riis (1849–1914)
En su libro How the Other Half Lives (1890), Riis combinó fotografías con texto para mostrar la realidad de las viviendas de inmigrantes. Sus imágenes, captadas con flash de magnesio, iluminaban la pobreza oculta en sótanos y callejones.
Lewis Hine
Sus retratos de niños tan jóvenes como de siete años trabajaban en fábricas o minas. Composición y contraste enfatizaban su vulnerabilidad y crearon un vínculo empático en el espectador, promoviendo leyes estatales contra el trabajo infantil.
Capítulo 6: Convenciones como Herramienta de Análisis Histórica
Los historiadores visuales utilizan patrones recurrentes para fechar y ubicar fotografías antiguas:
Atuendo y peinados: Faldas con crinolinas amplias (1850–1865); corsés ajustados y mangas tipo farol (1875–1885).
Soportes y marcos: Placas de madera con borde metálico (daguerrotipo); montajes de cartón (1880–1900).
Expresividad: Sonrisa ausente hasta finales del XIX, cuando la sensibilidad romántica permitió ligeras curvaturas labiales.
Capítulo 7: Del Índice a la Performatividad (Teoría Fotográfica)
Semiótica del Índice
Roland Barthes (1980) afirmaba que la fotografía prueba la existencia de lo captado: el “noema” o esencia del medio. Su lectura influyó en Dubois, Schaeffer y Krauss, quienes analizaron los mecanismos de anclaje entre referente y signo fotográfico.
Crítica al Realismo Fotográfico
François Soulages (1998) planteó la fotograficidad para remarcar que la fotografía siempre media la realidad mediante selección, encuadre y procesos técnicos. André Rouillé denunció la “monocultura del índice”, proponiendo el concepto de real fotográfico como performance social.
Capítulo 8: Estudios Visuales y Post‑fotografía
Los Visual Studies de los 90 integraron la fotografía en un campo más amplio de prácticas visuales: cine, publicidad, redes sociales.
Post‑fotografía:
Desmaterialización del soporte.
Manipulación digital: retoque, montajes, deepfakes.
Algoritmos generativos: imágenes creadas sin referente físico, cuestionando la noción de índice.
Capítulo 9: Conclusiones y Perspectivas Futuras
La fotografía, desde su función documental hasta su instrumentalización estética y política, ha estado en el centro de disputas sobre poder, memoria e identidad. La transición al mundo digital expande estos debates: la autoría, la ética y la autenticidad se repiensan en un entorno donde las imágenes ya no garantizan la presencia de un referente real.
Reflexión final: Comprender la genealogía de los cánones y sus quiebres es indispensable para construir un consumo visual crítico y consciente, capaz de desentrañar las narrativas ocultas en cada imagen.
Bibliografía Recomendada
Barthes, R. (1980). La cámara lúcida. Paidós.
Cameron, J. M. (1865). Cupido. Macarena CP Blog.
Dubois, P. (1983). El acto fotográfico. Paidós.
Frizot, M. (2009). El imaginario fotográfico. Serieve.
Hine, L. (1908). Child Labor: Girls in Factory. Wikimedia Commons.
Riis, J. (1890). How the Other Half Lives. Scribner.
Rouillé, A. (2005). La fotografía. Entre documento y arte contemporáneo. Herder.
Soulages, F. (1998). Estética de la fotografía. La Marca.
Tagg, J. (1988). El peso de la representación. Gustavo Gili.
No hay comentarios:
Publicar un comentario
Nota: solo los miembros de este blog pueden publicar comentarios.